«В ИСКУССТВЕ И В ЖИЗНИ ДОЛЖНА БЫТЬ ТАЙНА»
Самарские судьбы №9 (33) 2009г. тираж 3000 экз.
- Владимир Терехин - один из наиболее самобытных и востребованных самарских художников. Много лет работал на заводе "Прогресс", был музыкантом. Как художник формировался под влиянием Ван Гога и учения о психоанализе Фрейда. Его картины экспонировались на персональных выставках в Самаре и Москве. Работы Терехина находятся в Государственном Историческом музее, в крупнейших галереях и частных коллекциях двадцати стран. Есть его картины и у королевы Англии Елизаветы, и у примадонны российской эстрады А.Б. Пугачевой, и у многих других всем известных людей.
Не получилось что- то – виноват сам
- Владимир, у тебя есть какой-то свой секрет - как достичь успеха?
- Нужно просто много работать. Я философски отношусь к понятию успеха. Не получилось что-то - виноват сам. Я - причина и следствие всех моих удач и неудач. И ни к кому, кроме себя, не предъявляю претензий. Художник всегда доказывает себе и побеждает самого себя. Исключительно!
И потому мне не надо было вступать в Союз художников. Считаю, что это формальность. И стремления такого никогда не было.
Все, чего я достиг в жизни, достиг благодаря своим картинам. Двадцать пять лет проработав на заводе "Прогресс", я не заработал столько, сколько мне дали первые три мои картины. Потрясающе и то, что коллектив завода "Прогресс", по-моему, гораздо раньше меня понял, что я художник. Мне дали возможность рисовать. Все вокруг пили, гуляли, а я сидел за холстом,
И потом, когда меня признали, начались другие испытания. Очень многие художники пропадали на "звездности", А я сторонился тусовок.
Я рано понял, что мне не нужно лезть в художественную среду. Мне близка формула Булгакова: "Ничего ни у кого не надо просить, особенно у сильных мира сего. Сами придут и дадут". Не нужно на это тратить время, иначе можно сойти с ума. Просто сидел и работал. Но выставиться в советское время или напечатать свои работы было почти невозможно. Председатель профкома "Прогресса'’ написал в издательство "бумагу": "Просим напечатать буклет Владимира Терехина". Меня послали в обллит. А там сказали: "Нельзя. Вот когда всех профессиональных художников напечатаем, тогда и до вас очередь дойдет”. И все же мне удалось и в то время с помощью друзей организовать шесть выставок: во Дворце культуры имени Кирова, в Доме молодежи. Хотя спустя какое-то время они запрещались.
Вообще, художник - это не профессия, это определенное психическое состояние. Это заболевание. Признание, конечно, греет душу. Но Ван Гог за десять лет продал всего одну картину и жил на содержании у брата, А когда в последний период жизни пришла известность, он говорил, что ему это неинтересно. Как художник он сделал все, что предначертано.
У Поля Сезанна отец был банкиром. Он говорил ему: сынок, брось заниматься ерундой, принимай у меня дела. А сын отвечал: мне это не нужно. Брал томик
Вергилия и уходил на природу писать гору. Ему было наплевать на деньги. Потом Полю достается наследство: 40 миллионов долларов. А он сказал: зачем мне все это?
Быть лучшим в свободном творчестве невозможно. Художник по определению должен быть особенным, непохожим, самобытным. Нужно идти своей дорогой. Хорошо, что сейчас можно устраивать выставки и не нужно для этого никаких разрешений. Если, конечно, ты в состоянии это сделать или кто-то из обеспеченных людей тебе поможет. Нужно пред- принимать какие-то шаги, не надо ничего бояться.
Но при этом начинающему художнику нужно психологически готовить себя не к успеху, а к провалу. Меня ведь гоже клевали будь здоров. Выскочкой называли. В книге отзывов у меня есть такая запись: Где выпускают таких художников7 Расстрелять его!" Надо относиться к этому философски.
А потом - когда чего-то достиг, твое имя уже работает на тебя. Я сижу дома, работаю, не суечусь, а мне постоянно звонят, приглашают куда-то.
- Я слышал, недавно в Соединенные Штаты приглашали.»
Да, меня пригласило в Америку издательство ''Курьер” - участвовать в мероприятиях, где собирали средства для детей, оставшихся без родителей.
В самарском магазине "Дом кухни ELT" на Некрасовской находится галерея Владимира Терехина. Слева направо: Владимир Шиманчик, владелец магазина; писатели Евгений Полов и Владимир Войнович, художник Владимир Терехин. 1990-е годы
Там в одно действо соединили конное родео, автородео на коллекционных машинах и арт-шоу, где продавались картины. А потом была выставка, куратором которой была Донна Андерсон - сотрудница музея Пола Гейтси, самого большого художественного музея в мире.
Американцев удивить почти ничем невозможно. Но, тем не менее, выставку они восприняли очень доброжелательно. "Ротари-клуб" даже устроил заседание в мою честь. Интересовались у меня очень многими вещами. Одна журналистка сказала: "Ты похож на Кеннеди. Может быть, ты из его клана?'
«Искусство - проявление бессознательного»
- Твои картины очень разные... Ты сам как воспринимаешь свое творчество?
- Как живописный дневник, как воспоминание о событиях и впечатлениях своей жизни.
Искусство - это проявление бессознательного. Открыли это импрессионисты. Если в эпоху Возрождения картины писались с учетом законов физики и геометрии - прямой и обратной перспективы и так далее, - то импрессионисты, сами того не осознавая, сказали о том, что человека есть бессознательное начало, Ведь эстетика импрессионизма - впечат-ление, состояние художника, которое передается с помощью картины.
Изучая историю живописи, я пришел к выводу, что главное для современного изобразительного искусства - не трехмерность изображения, а трехмерность состояния самого человека. Так появилась картина "Магазин сознательного безумия” - "Человек”, где есть и сознательное начало, и бессознательное как плод фантазии художника и его сверх-я.
И здесь, видимо, сказалось влияние Фрейда?
«День рождения». 1977 год
- Да, ему же нужно было, чтобы человек осознал и вспомнил то, что тревожит его - может быть, с самого детства. И таким образом освободился от этого и пришел в нормальное состояние.
- Картина, о которой ты сейчас вспомнил, - она же огромная... Ни в одной комнате не уместится. Как же ты работал над ней?
Да, там восемь квадратных метров, и расстояние, на которое нужно отойти перед картиной, - одиннадцать метров, иначе толком ничего не увидишь. Я работал тогда на заводе "Прогресс" и был председателем цехового комитета. А писал эту картину в "красном уголке". Как и другие инженерно-технические работники, дежурил в цехе - в выходные, праздники, В это время и писал картину. Работал над ней три с половиной года.
- Основная масса людей не осознает себя: кто они? Для чего пришли в этот мир? Именно такими они показаны на этой и многих других твоих картинах. Эти люди как бы окарикатурены. А произошли какие-то психологические изменения с твоими персонажами за последнее время?
- Они остались теми же, люди медленно меняются. А откуда истоки такого взгляда... Раньше я жил в коммунальной квартире. Помню, как дрались и ругались соседи. Вот они и на моих картинах такие же - приземленные, с приклеенными ко рту семечками. Или вот картина '‘Свадьба*. Я десять лет был музыкантом. На таком количестве свадеб переиграл, такого там насмотрелся, что те впечатления остались надолго. Это как нарыв какой-то.
"Не боюсь показаться плохим'"
- Тебе приходилось слышать обвинения, что ты в своих картинах издеваешься над человеком?
- Да. Вообще отрицательные отзывы меня интересуют больше, чем положительные. Потому что положительные обычно безлики. А меня интересует человек в возмущенном состоянии, когда он не контролирует себя, Такие люди иногда становятся персонажами моих картин. Иногда возмущаются: "Это же какие-то пластилиновые мультики"! Для меня же "пластилиновые мультики” - это комплимент. Значит, в маленькой работе я до-бился монументальности.
Люди, которые не осознают себя, не могут признать, что они чего-нибудь могут не понимать. Они не могут прийти к такому заключению, что не нужно ничего осуждать, а нужно что-то делать, чтобы изменить ситуацию. Таких людей устраивают только за-стывшие формы. В картинах им толь ко нужно узнать себя - чтобы было похоже.
Я не боюсь показаться плохим. Некоторые художники комплексуют по поводу того, что скажет Иван Иваныч. А мне нравится работать на грани фола, нравится экспериментировать. За что меня и ругают. Ну и пусть. Критики иногда говорят такое, что дает толчок для развития.
А вообще, настоящие картины после их создания живут самостоятельной жизнью, независимой от художника. К ним можно относиться как угодно: восхищаться, ненавидеть, критиковать... Но сама истина идет от картины, а не от болтовни вокруг нее.
"Механизм ассоциаций"
- У многих твоих картин, в том числе пейзажей, - очень необычная техника написания...
В качестве основы для картин я часто использую ДВП, что придает матовость краскам и лишает их неестественного масляного блеска. Эти картины не написаны - на холсте маслом, как это обычно делается, а как бы нарисованы красками. Кстати, на выставке в Америке эта техника произвела большое впечатление. Я давно перестал разбавлять краски разбавителями, а смешиваю их на палитре прямо из тюбиков.
Моя живопись близка к импрессионизму. У импрессионистов был такой метод - "ла прима". Картину они должны были написать за один присест, пока не изменился угол освещения. Но они писали на пленэре, а я пишу только по памяти.
Мои пейзажи плод моего воображения. Хотя выглядят они вполне реалистичными. И люди воспринимают их так: да я же знаю это место, все точно нарисовано,-
Когда смотришь на такую картину, включается механизм ассоциаций, воспоминаний. Точно так же бывает, когда слушаешь хорошую музыку. Знаешь, когда музыканты из «Led Zeppeli» сочиняли свои песни, они старались потерять представление о времени...
- Ты ведь и сам раньше занимался музыкой. Сейчас она помогает?
Я всегда пишу картины под музыку. - Она помогает отвлечься, уйти от действительности, подключить к работе бессознательное начало. Но для этого нужна созерцательная музыка. Мишель Жарр, например. У него есть вещи, посвященные Жаку-Иву Кусто. Слушаешь эти электронные звуки - и как будто погружаешься в пространство, в глубину. Хотя я воспитан на другой музыке: "Битлз", Толлинг Сто- унз".
Букет. 2004 год
В искусстве и в жизни должна быть тайна, Тайна во всем. Например, откуда берутся цвета. Я много занимался теорией цвета. Давно известно, что основные цвета - синий, красный и желтый, от их смешения и добавления белой краски получаются все другие. Это использовали импрессионисты, они не применяли черный цвет, поэтому палитра у них такая светлая, живая Меня все время интересовало, откуда эти три цвета берутся. И вот однажды в дневнике Поля Гогена я наткнулся на выписку из трудов средневекового живописца Вехби-Зинбул-заде. Берешь ведро индиго (сухого синего порошка), смешиваешь его с одним веществом - получается красный цвет, с другим получается желтый. Все цвета происходят из синего цвета. Все остальные - производные. Человеческий глаз, как. оказалось, устроен таким образом. В тот момент, когда человек смотрит на синий цвет, благодаря нервам, которые связывают глаз с мозгом, в мозгу вырабатывается специальное вещество, и человек получает радость. А красный цвет, на-против, вызывает раздражение. Мы, как правило, бессознательно отдаем предпочтение синему цвету - цвету космоса. Когда в Америке стали продавать джинсы, они же сначала были разных цветов, но бешеной популярностью пользовались только джинсы цвета "индиго".
Я убежден, что человек вышел из Космоса, синий цвет - это связь с Космосом, с нашей родиной. Вот почему небесная синева так приятна для глаза, И счастлив тот, кто находит время взглянуть на небо - я хочу написать такую картину. Когда человек глядит на синий или голубой цвет, это благотворно влияет на его психику.
Очень гармоничное сочетание - голубое с жёлтым. А красный раздражает. Не случайно это цвет революции и цвет тряпки, которую держит тореадор перед быком. Исследователи заметили; когда человек долго глядит на красный цвет, его глаза быстрее устают.
Путем экспериментов я обнаружил, что серый цвет из смеси белого и черного мертвый, бесцветный. А серые тона, которые получаются из разных пропорций красного, синего и белого, сверкают, как драгоценные камни. Я полностью исключил черный цвет из своей палитры, потому что он мертвый, похож на деготь. Все краски - одного происхождения, одного корня. Поэтому в картине они всегда гармонируют, дополняют, борются друг с другом, живут и взаимодействуют по собственным законам,
Цвет сам по себе очень сильно влияет на психику, он несет эмоциональную нагрузку и обращается напрямую к бессознательному началу. Под впечатлением цвета человек может испытать либо восторг, либо грусть, либо сдавленные чувства. Ван Гог предложил суггестивное, гипнотическое использование цвета. Он мог увеличить его насыщенность в десять, двадцать, тридцать раз. Но при этом сочетание цветов полностью соот-ветствовало действительности. К примеру, если дерево освещено желтым светом, то тень от него - голубая.
Хотя, конечно, для художника - и для меня тоже - важен не только цвет. Важно все в комплексе: цвет, композиция, рисунок.
Меня очень интересует состояние верующего человека. Оно, например, передается в серии картин "Да здравствует Россия!”. Купола гам как ракеты. Может быть, эти картины - какая-то связь с космосом, Через цвет, через композицию.
-Ты много поездил по миру. А мог бы представить себя живущим где-то на Западе?
Мог бы. Но войти там в работу, мне кажется, будет довольно трудно. Мне близка микроструктура города Самары, Я никогда не скажу, что Самара - это грязный, вонючий город. Приезжаю в Москву и ничего там не могу делать - бешеные ритмы. А Самара - это совершенно другое. И в ней тоже есть какая-то тайна.
Самарские судьбы №9 (33) 2009г.